Image copyrightGETTYImage captionVivien Leigh dio vida a la obstinada Scarlett O'Hara, mientras que Clark Gable interpretó al mujeriego Rhett Butler.
Este 15 de diciembre se cumple el 75º aniversario del estreno de "Lo que el viento se llevó", una de las películas más famosas de la historia del cine y la más taquillera de todos los tiempos, si su recaudación se ajusta a la inflación.
El filme, basado en la novela homónima de Margaret Mitchell, ganadora del premio Pulitzer en 1937, narra la tortuosa historia de amor entre la obstinada sureña Scarlett O'Hara, a quien dio vida Vivien Leigh, y el mujeriego Rhett Butler, interpretado por Clark Gable, en los albores de la Guerra de Secesión estadounidense.
La cinta, que en su momento fue la más cara jamás rodada, introdujo importantes avances en la técnica cinematográfica y logró ocho premios Oscar, entre ellos el de mejor película y el de mejor actriz para la entonces desconocida Leigh.
El rodaje de "Lo que el viento se llevó" estuvo plagado de contratiempos, pasando la dirección de la película por diversas manos, con cambios constantes de guión y con una complicada relación entre los actores protagonistas.
Repase con BBC Mundo algunos detalles que quizás no conoce de un filme que, 75 años después, para algunos sigue siendo el mejor de la historia de Hollywood.
1- La película contó con varios directores
Image copyrightGETTYImage captionA las tres semanas de iniciarse el rodaje, el director George Cukor se bajó del barco.
George Cukor fue el director elegido inicialmente por el mítico productor de Hollywood David O. Selznick para dirigir "Lo que el viento se llevó".
Desde un principio ambos tuvieron desacuerdos sobre el guión de la película y sobre el ritmo de rodaje, que Selznick quería acelerar.
A las tres semanas de iniciarse el rodaje, Cukor se retiró del proyecto y Victor Fleming fue el elegido para sustituirle.
Tratándose de un trabajo complicado y agotador, en algunas fases Fleming, debido a sus problemas de salud, debió ser sustituido temporalmente por al menos otros dos cineastas.
Algunas teorías sostienen que George Cukor fue apartado del rodaje por presiones de Clark Gable, debido a la homosexualidad del director.
2- Más de 1.400 mujeres participaron en el casting para interpretar a Scarlett O'Hara
Image copyrightGETTYImage captionMuchos no entendían como una británica podía interpretar a la heroína sureña por excelencia.
"Lo que el viento se llevó" contó con un multitudinario casting digno de una superproducción y que se prolongó durante dos años.
A él se presentaron más de 1.400 candidatas llegadas de todo EE.UU., entre las que se encontraban algunas de las intérpretes más importantes de la época.
Para contribuir a la publicidad del filme, se pidió al público que eligiera a su favorita y Vivien Leigh tan sólo obtuvo un voto.
Muchos no entendían como una británica podía interpretar a la heroína sureña por excelencia.
3- Hattie McDaniel fue la primera afroestadounidense en ganar un Oscar y no fue al estreno del filme
Image copyrightAPImage captionHattie McDaniel se convirtió en la primera intérprete negra en ganar un Oscar.
La actriz Hattie McDaniel, quien daba vida a la sirvienta Mammy, se convirtió en la primera intérprete negra en ser nominada a un Oscar y en la primera en ganarlo.
Pese a ello, ni McDaniel ni ninguno de los actores afroestadounidenses que aparecen en "Lo que el viento se llevó" fueron invitados al estreno de la película, celebrado en Atlanta, Georgia, el 15 de diciembre de 1939.
En las últimas décadas el filme ha sido fuertemente cuestionado por cómo presenta a los personajes negros y la manera en la que trata el tema de la esclavitud.
4- Clark Gable no quería aparecer llorando en la película
Image copyrightAPImage captionGary Cooper y no Clark Gable debía interpretar el papel de Rhett Butler.
El actor Clark Gable, el galán por excelencia en Hollywood en aquella época, no quería aparecer en pantalla llorando.
Eso es lo que requería la escena en la que el personaje de Melanie le consuela por la pérdida del bebé que esperaba Scarlett.
El director quería obligarle a rodar la escena y Gable amenazó con abandonar el proyecto. Al final la actriz Olivia de Havilland fue la que lo convenció de lo contrario.
5- Con motivo del estreno de la película, el gobernador de Georgia declaró el día feriado
Image copyrightGETTYImage captionEl rodaje de "Lo que el viento se llevó" estuvo plagado de contratiempos.
El día del esperado estreno de "Lo que el viento se llevó", el 15 de diciembre de 1939, el gobernador de Georgia declaró feriado en todo el estado.
Además, el ayuntamiento de Atlanta, ciudad que tiene gran protagonismo en la película, organizó un festival de tres días, con motivo del cual se engalanaron las calles y se pidió a los ciudadanos que se vistieran con trajes de época.
Cientos de miles de personas se acercaron al Gran Teatro Loews para ver a las estrellas protagonistas el día del estreno.
cinco detalles que quizás no conoces de "Lo que el viento se llevó" en http://www.bbc.com/mundo/noticias/2014/12/141212_cultura_cine_viento_se_llevo_75_aniversario_jg
Cuando hablamos de efectos especiales, normalmente pesamos en los impactantes efectos digitales que se usan hoy en día en las películas. Pero aunque las computadoras están asumiendo cada vez más la responsabilidad de estos efectos en el cine, hubo un tiempo en el que gran parte de esta magia era posible gracias a un trabajo hecho a mano.
Tomemos el caso del hangar del Regreso del Jedi, por ejemplo. Cuando vi las estas imágenes, no podía creer que muchas de las inmensas escenografías que aparecen en las tres primeras películas de Star Wars no eran más que pinturas creadas sobre vidrio gracias una técnica conocida como "matte painting", las cuales contenían a menudo un enorme punto negro en el medio desde el cual se desplegaba la imagen en movimiento.
Éstas son algunas de las locaciones de "La guerra de las galaxias" dibujadas a mano por los artistas Chris Evans y Michael Pangrazio, además de un documental de la BBC que muestra cómo crearon estos efectos visuales. Disfruta viendo cómo el castillo de Jabba el Hutt y el bosque de los Ewoks aparecieron de la nada gracias a la inmensa de destreza de un grupo de artistas plásticos.
El hangar del Regreso del Jedi dibujado por Chris Evans.
El bosque de los Ewoks pintado a mano.
El castillo de Jabba The Hutt en El imperio contraataca dibujado por Michael Pangrazio.
El hangar del planeta Hoth en El imperio contraataca pintado por Michael Pangrazio.
La entrada al hangar de la estrella de la muerte en el Regreso del Jedi pintada por Chris Evans.
Así fueron creadas las locaciones de 'Star Wars' en http://www.vice.com/es_mx/read/asi-fueron-creadas-las-locaciones-de-la-guerra-de-las-galaxias
El desarrollo del espacio escénico, y del concepto escenográfico, ha ido desarrollándose desde el siglo IV a.c En la época griega, Skênografia era el arte de adornar las tragedias. Los actores disponían sólo de una tarima donde actuar. Delante de la escena, en la orkestra, estaba “el coro” y a su alrededor se colocaba el público en un semicírculo en gradas llamado proscenion. 
Posteriormente, durante el siglo II, se construyeron los primeros teatros romanos, prácticamente una continuación del modelo griego, donde el hemiciclo era mas largo y ancho, la ornamentación mucho mayor y la orquesta, donde el coro había desparecido,se redujo a la mitad y se ocupaba por los senadores.
El teatro medieval empezó durante el siglo IX representando los momentos religiosos más importantes, primeramente dentro de la iglesia, y posteriormente en las carretas-teatro. Más tarde, a finales del siglo XVI los patios de vecinos se convirtieron en los corrales de comedia donde se cerró el espacio escénico, rectangular y central en una manzana de casas. Durante el siglo XVI, en el Renacimiento, apareció el edificio teatral y el espacio escénico similar al actual, debido a una producción dramática de carácter culto y destinada a las clases aristocráticas.donde se cerró el espacio escénico, rectangular y central en una manzana de casas. Durante el siglo XVI, en el Renacimiento, apareció el edificio teatral y el espacio escénico similar al actual, debido a una producción dramática de carácter culto y destinada a las clases aristocráticas. 
Desde el siglo XVIII, la disposición tradicional de la mayoría de las salas de teatro occidentales es el teatro a la italiana, el escenario se sitúa frente a los espectadores, en un plano elevado, formado básicamente por la caja escénica (escenario, telón, proscenio), la platea (palcos y anfiteatro) y las bambalinas. En las ilustraciones 1 y 2 se pueden observar la disposición de partes de un teatro a la italiana: 1- vestíbulo, 2- distribuidor, 3- entrada al escenario, 4- platea, 5- palcos, 6- foso para la orquesta, 7- escenario, 8- camerinos o almacenes, 9- palcos del proscenio, 10- proscenio.218 Por esta época la escenografía también evolucionó, especialmente debido a la complejidad excesiva de las obras. se popularizó pintar un telón de fondo en perspectiva, lo cual se convirtió en na aplicación artística de representación espacial. A partir de entonces la escenografía es un espacio tangible que recrea las circunstancias que rodean un hecho, tridimensional y dinámico, que se transforma en diferentes espacios dentro de una misma realidad escénica e incluso que puede compartirlos. Una representación que muestra, que describe, que hace entender, como el propio acto teatral en si mismo. Los principales cambios se produjeron gracias a Adolphe Appia influenciado por Wagner, quien fue uno de los escenógrafos más famosos gracias a su concepto del espacio teatral, cambió la percepción bidimensional de la escena por la tridimensional, defendió que los matices que aportaba la sombra eran tan necesarios como los de la luz, estableció una conexión entre el actor y su espacio de representación, entre el tiempo y el espacio, creando una nueva perspectiva de concepción escénica y de iluminación. Contemporáneo a Appia, Gordon Craig pensó un espacio escénico en movimiento, convirtiéndose en un creador de ambientes. Los objetos se desmaterializaban para convertirse en símbolos y el actor era un elemento plástico más. Otros cambios vinieron de la mano del taller de teatro de la Bauhaus dirigido por Oskar Schlemmer, el cual no formaba simplemente a actores, sino también a escenógrafos, desarrollando ideas en relación al arte y la escena que devinieron en espacios de reflexión en torno al quehacer tecnológico y las nuevas tecnologías emergentes, sin descartar la carga histórica que la escenografía tenia, repensándola. Los decorados desarrollaron cambios en todos los aspectos, pero sobre todo en el contexto arquitectónico del espacio, donde se ha ido mejorando en tecnologías (mecánicas y digitales): Erwin Piscator junto con Walter Gropius, introdujo gran cantidad de innovaciones técnicas: escenas a distintos niveles, utilización del cine, proyecciones, escenarios giratorios, etc.
En el comienzo del cine las cámaras cinematográficas permanecían ancladas en un trípode a modo de obra de teatro. Cuando los productores y directores comenzaron a ver el potencial del cine como espectáculo y la libertad que daba poder mostrar cosas que en el teatro no se podían, comenzó la transformación dejando atrás los telones pintados, herencia del teatro, pasando del teatro filmado al nacimiento del cine, tal como lo conocemos hoy en día. En ese momento la industria naciente del cine se vio obligada a construir decorados para dar realismo. Había nacido el oficio del Director de Arte.
¿Quién es el Director de Arte?
El director de arte es el artista visual y relator espacial, quien en conjunto con el Director de la película, crea y desarrolla la visión conceptual, la atmósfera y sentimiento que mueve al guión.
Lo hace a través de la concepción y creación de escenarios, y la selección y alteración de locaciones existentes y exteriores. Colabora con el Equipo de Efectos Visuales y le provee los diseños necesarios para mantener un lenguaje coherente entre el diseño visual, la cinematografía y la dimensión de efectos visuales en post-producción.
Son más que los arquitectos e ingenieros de prlículas, quienes construyen los sets. Están involucrados en la totalidad del diseño visual.
Se comunican regularmente con los Productores, Directores, Directores de Fotografía y colaboran coherentemente con la segunda unidad, extras, efectos especiales. Aseguran que los decorados puedan ser bien fotografiados, en equipo con el Director de Fotografía y contribuyen a la totalidad del film.
Son los artistas que adaptan su estilo a todo tipo de films, el alcance de su talento es ilimitado. Su imaginación se eleva dentro de un marco práctico y económico. Hacen que cosas aparentemente imposibles, sean posibles para la filmación, bajo presión tiempo-dinero.
Responsabilidades:
Colabora con el director y el productor en la interpretación del guión, en la selección de locaciones y los ajustes necesarios, y decide el estilo y la estética visual que cuenta el guión.
Selecciona y supervisa el trabajo de un equipo para desarrollar técnicamente el diseño conceptual en sets reales, manejando los procesos y la agenda de producción.
Supervisa a los profesionales que contribuyen plásticamente a la producción visual del film:
Ambientadores: quienes visten los espacios con mobiliario, utilería, cortinados, etc. Supervisan un equipo que incluye un asistente, un tapicero y cortinero, y un handy man.
Escenógrafos: quienes crean las visualizaciones y los planos técnicos para construir o modificar sets, locaciones y gráfica.
Ilustradores: quienes realizan ilustraciones en 3 dimensiones, bocetos, y diseños que se utilizan en la preparación y producción de un film, como storyboards.
Diseñadores gráficos: quienes crean toda la gráfica necesaria incluidos símbolos, libros y posters.
Maquetistas: quienes crean maquetas de estudio para cada propuesta de set.
Coordinador del Departamento de Arte: quien provee soporte logístico e investigación y documentación.
Coordinadores de locaciones y scouting: quienes buscan e investigan posibles locaciones, y manejan las locaciones y permisos necesarios.
Utilero coordinador: quien provee, con la colaboración de un asistente la utilería de mano para los actores durante la filmación.
Coordinador de Construcción: quien coordina la construcción de los decorados con un contratista, realizadores de utilería, trabajadores, pintores, artistas plásticos.
Equipo de efectos visuales: incluyendo constructores de modelos y artistas de efectos digitales.
Equipo de efectos especiales: generalmente un ingeniero mecánico y/o electrónico quien coordina con el departamento de arte todas las fases físicas y mecánicas de los efectos especiales a realizar.
Coordinadores de vehículos: quienes seleccionan los vehículos apropiados para la acción y de fondo.
alt
Hoy, es prácticamente impensable una película de ficción sin dirección de arte. Su importancia ha variado a lo largo de la historia del cine. Pero en la actualidad, bien sea que se trate una producción de Hollywood de gran presupuesto o de una película independiente y de autor este aspecto es fundamental.
En el arte -como también se le llama- el decorado, el vestuario y el maquillaje se pueden convertir en una extensión de los mismos personajes y describirlos visualmente. La escenografía puede "hablar" sobre lo que acontece en la acción. Un trabajo efectivo de dirección de arte tiene el poder de inducir al espectador en determinados estados emocionales.
Como lo afirma la ganadora del Oscar por ''Amadeus'', Patrizia Von Brandenstein, "la dirección de arte contribuye a dar foco y forma a la película" y añade: "Creo que el cine sería más aburrido e incoherente sin este aporte".
Películas clásicas como ''Intolerancia'' de Griffith, ''El gabinete del doctor Caligari'' o ''Lo que el viento se llevó'' tienen en común, el impacto de los decorados. "Una película siempre se da en un entorno y la elección de ese entorno tiene que ver con la dirección de arte", explica Eugenio Caballero, ganador del Oscar por su trabajo para ''El laberinto del fauno''.
alt
Es posible que en ocasiones este trabajo pase inadvertido. A veces, se convierte en el personaje principal, cuando la espectacularidad de la puesta en escena es su mayor atractivo. Hay géneros que requieren un tratamiento visual más elaborado como el histórico, el musical y el fantástico. De ahí, que la dirección de arte sea más visible en ellos.
La dirección de arte hace que una película tenga coherencia estética y que, en últimas, su atmósfera sea verosímil, transmita emociones, conmueva, estremezca; hace que elementos como los espacios, el vestuario y los objetos hablen de los personajes, establezcan un diálogo con el espectador y también cuenten la historia. Como lo expresa Patrizia Von Brandenstein los objetos también pueden intrigar, asustar o consternar. Pensemos, por ejemplo en los ambientes claustrofóbicos de Hitchcock y en objetos como una cuerda en ( ''The Rope'' ).
El decorado, el vestuario y el maquillaje se pueden convertir en una extensión de los mismos personajes y describirlos visualmente. La escenografía puede "hablar" sobre lo que acontece en la acción. Un trabajo efectivo de dirección de arte tiene el poder de inducir al espectador en determinados estados emocionales.
Por la responsabilidad que comporta este oficio, tanto para la estética como para la historia de una película, no es de extrañar que numerosos directores a lo largo de la historia del cine provengan del ámbito de la dirección artística. Un ejemplo es James Cameron (''Titanic'' y ''Aliens el regreso'').
alt
Al buscar información en Internet sobre la Dirección de Arte o Dirección artística, es cada vez más frecuente encontrar sitios donde éste rol se relaciona directamente con el diseño gráfico, el diseño publicitario y de campaña.
La dirección artística para cine está al servicio de un arte dramático y esto sin duda hace que la propuesta estética esté condicionada por aspectos narrativos, contextuales, emocionales y psicológicos, que permiten crear una imagen que va más allá de la moda, de las últimas tendencias en decoración o de la generación de una imagen políticamente correcta (como sucede en algunos casos en la imagen publicitaria), pues su función principal está en la creación de una atmósfera adecuada para que se desarrolle la historia. En este sentido, los parámetros estéticos en el cine responden a un sentido más profundo que formal, pues se puede encontrar belleza en lugares aparentemente carentes de esta cualidad, por ejemplo en la imagen de un pueblo destruido por la guerra o en la habitación de un asesino en serie.
Ésta búsqueda estética en una película no solo está en responsabilidad exclusiva del Diseñador de Producción, sino de todo el equipo del departamento de arte, incluyendo al Director de Arte, quien dependiendo de la dimensión del proyecto, puede desarrollar su trabajo como jefe del departamento de arte o como apoyo del Diseñador de Producción.
Cuando el Departamento de Arte es dirigido por un Diseñador de Producción, el Director de Arte pasa de ser el jefe del departamento, a enfocarse en las siguientes tareas:
Administración del presupuesto de arte y el calendario de trabajo, buscando siempre la optimización de tiempos y de recursos.
Coordinación de todo lo relacionado con la construcción escenográfica, desde el diseño de los sets en términos prácticos, hasta la supervisión de planos y construcción de los mismos.
Coordinación de la adecuación de locaciones para su posterior montaje de ambientación por parte del decorador de set.
Coordinación de entrega en buen estado, de las locaciones que han sido intervenidas por el departamento de arte. Este trabajo se hace en compañía del Gerente de Locaciones.
Legalización de facturas y verificación de deudas con los proveedores de arte.
Dependiendo del proyecto también pueden trabajar coordinando los efectos especiales (choques de carros, explosiones, etc.)
Por todo lo anterior se puede decir que el Director de Arte desempeña un papel importante en la producción cinematográfica, pues sus conocimientos en arquitectura, diseño interior, manejo de materiales y técnicas de construcción, son vitales para crear el universo de una película, y su experiencia, le aporta al Departamento de Arte, soluciones prácticas a los problemas creativos.
Junto a Johnny Weissmuller en el rodaje de Tarzan y su Compañera (1934)
Austin Cedric Gibbons (1893-1960) es uno de los nombres más ilustres de la historia de Hollywood. Fue el pionero del diseño escenográfico a gran escala y su contribución fue esencial para la expansión del séptimo arte.
Nacido en Dublín, emigró muy pronto con sus padres a Estados Unidos. Iniciado en el mundo del diseño por su padre arquitecto, pronto desarrolló sus aptitudes en varias academias artísticas. Su creatividad rebosante le llevó al incipiente Hollywood de 1915. Fue contratado por los Edison Studios para los que diseñó su primera escenografía en 1919.
Tras el cierre de los estudios Edison, pasó a trabajar para Samuel Goldwyn dándose a conocer ante Louis B. Mayer, que le contrató en exclusiva para la MGM a partir de 1924. Hasta 1956, año de su retirada, Gibbonsdiseñó la escenografía en más de 1000 películas de la Metro. Su visión arquitectónica del espacio y los enormes recursos del estudio permitieron que pudiera diseñar decorados de gran profundidad y lujo sacudiendo el panorama cinematográfico de su época. Los films de la Metro (y en particular sus famosos musicales) consiguieron impactar fuertemente en el público afianzanado la posición del estudio como emblema de la era dorada de Hollywood. Trabajó con los mejores y dio lo máximo para crear escenarios fílmicos inolvidables. Repasar su lista de películas es como trazar una parte de la historia del cine entre la década de los 20 y la de los 50.
Por sus espléndidos trabajos, Cedric Gibbons fue nominado a los Oscar 39 veces, ganando 11 por los decorados de las siguientes películas: El Puente de San Luis Rey (1929), La Viuda Alegre (1934), Orgullo y Prejuicio (1940), De Corazón a Corazón (1941), Luz que Agoniza (1944), El Despertar (1946), Mujercitas (1949), Un Americano en París (1951), Cautivos del Mal (1952), Julio César (1953), y Marcado por el Odio (1956).
Gibbons también fue uno de los 36 miembros fundadores de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en 1927. Se le acredita, además, como el principal diseñador de la clásica estatuilla de los premios Oscar.
Su nombre está grabado en letras de oro al ser considerado el creador del diseño escenográfico exclusivo para el cine. Cuando llegó a Hollywood, la creación de decorados era una actividad residual en la industria pero, con su trabajo, amplió los horizontes del sector y rompió las barreras que atenazaban la evolución de los grandes espacios de rodaje. Los que vinieron detrás le deben mucho y no es de extrañar que fuera de los primeros en ser nombrado para el Arts Directors Guild Hall of Fame.
GETTY
GETTY
GETTY
AP
AP
GETTY
